Des tragédies pas classiques

- Maîtriser les règles de base de l'alexandrin.
- Dépasser les contraintes de l'écriture pour dégager son propre espace de créativité.
- Identifier d'éventuels défauts techniques personnels et y remédier.
- Déjouer des craintes ou « blocages » par rapport à ce type de littérature dramatique.
- Découvrir les enjeux théâtraux, philosophiques, politiques… de cette œuvre.
- Pouvoir analyser la dramaturgie d'une pièce, les enjeux d'une situation pour en faire matière à jeu.
- Devenir force de propositions comme interprète et/ou directeur/trice d'acteurs/trices.
- Être constructif au sein d'un groupe de travail (disponibilité, écoute, bienveillance,…).
 

À partir de la fin du XVIe siècle, la tragédie s'impose en Europe, et tout particulièrement en France, comme le genre noble par excellence. Admirée par le public cultivé comme par les critiques, elle connaît une véritable explosion : les pièces se multiplient, les représentations se succèdent dans les théâtres parisiens privilégiés, avant que la Comédie-Française n'impose progressivement son autorité. Cette abondance d'œuvres a été largement filtrée par la tradition scolaire et critique. La mémoire collective n'a souvent retenu que quelques noms consacrés, tels Corneille et Racine, érigés en modèles indépassables du génie classique.
Derrière ces figures tutélaires se cache tout un continent dramatique aujourd'hui méconnu. Antoine de Montchrestien, Alexandre Hardy, Jean de Mairet, Jean de Rotrou, Pierre Du Ryer, Tristan L'Hermite ou Thomas Corneille ont pourtant connu leur heure de gloire et contribué à façonner l'histoire du théâtre tragique. Plusieurs femmes, longtemps reléguées dans l'ombre, ont réussi malgré les obstacles imposés à leur sexe à faire jouer leurs tragédies sur les scènes les plus en vue : Françoise Pascal, Madame de Villedieu, Antoinette Deshoulières, Catherine Bernard, Marie-Anne Barbier ou Madeleine-Angélique de Gomez témoignent de cette présence essentielle.
Entre tragédies et tragi-comédies, ce répertoire révèle une étonnante diversité de mondes : légendes, romans pastoraux, aventures invraisemblables, retournements spectaculaires, tensions politiques, religieuses et morales. 
Au cœur de ces pièces, les personnages — rois, reines, princes, princesses, empereurs, consuls ou figures héroïques — sont confrontés à des dilemmes extrêmes. Ils doivent choisir entre amour et devoir, intérêt personnel et bien commun, fidélité à leurs valeurs et exigences de l'Histoire. Sous les costumes antiques, royaux ou héroïques, ces conflits parlent encore directement aux spectateurs d'aujourd'hui : ils interrogent nos propres rapports au pouvoir, au sacrifice, à la liberté, à la morale et au désir. Ce théâtre pousse tout à l'excès, sans compromis possible, jusqu'à l'alternative radicale entre vivre et mourir.
Des œuvres comme Scédase, Lucrèce, Le véritable Saint Genest, Venceslas, Timocrate, Laodamie ou Les Amazones offrent un réservoir de décors, de passions, de péripéties et de violences encore largement à explorer. elles apparaissent comme des œuvres explosives, parfois dérangeantes, demandant aux interprètes un engagement total. Tout y passe par la langue : rimes, métaphores et figures de style deviennent des armes, une partition exigeante qu'il faut habiter avec rigueur pour en faire surgir le jeu, la liberté, le plaisir et la violence. L'alexandrin classique, loin d'être une contrainte morte, peut alors devenir pour l'acteur contemporain un formidable instrument de libération.