Certificat d'aptitude aux fonctions de professeur de danse discipline danse classique

Le professeur détenteur du certificat d'aptitude (CA) est chargé d'un enseignement dans son esthétique qui se fonde sur un parcours artistique attesté, la maîtrise de référents culturels et une solide expérience professionnelle pédagogique.

Enseignant confirmé, il transmet les compétences, connaissances et attitudes fondamentales nécessaires à une pratique autonome des élèves ou des étudiants. Il est en capacité, dans sa spécialité, de définir des orientations pédagogiques globales, de structurer des parcours professionnalisants, d'accompagner des projets personnels d'élèves ou d'étudiants.

Il est tenu de reconsidérer en permanence ses repères et d'enrichir ses compétences par une pratique artistique ou une démarche de recherche personnelle et par une formation continue.

Le professeur détenteur du certificat d'aptitude peut assurer des activités d'éveil et d'initiation, l'apprentissage initial à destination des amateurs aussi bien que la préparation préprofessionnelle, l'enseignement supérieur et la formation professionnelle continue dans son domaine de spécialité.

Il suscite et accompagne le développement des pratiques artistiques des amateurs, y compris celle des adultes, notamment en tenant un rôle de conseil et d'aide à la formulation de projets.

Sa connaissance des réseaux professionnels et des partenaires territoriaux lui permet de participer à la réalisation d'actions s'inscrivant dans la vie culturelle locale.

Il est susceptible de travailler en collaboration avec des artistes ou des institutions relevant des différents secteurs du spectacle vivant ou enregistré, voire conduire des projets avec des partenaires d'autres domaines artistiques (patrimoine, arts plastiques, cinéma, architecture, etc.) ou d'autres secteurs (enseignement général, recherche, secteur socioculturel, secteur sanitaire et social, etc.), dans le respect de la réglementation en vigueur.

Il est susceptible d'animer et coordonner une équipe d'enseignants pour un projet ou une mission spécifique, ou encore d'encadrer un département.

Il est appelé à siéger au sein de jurys d'évaluation d'élèves. Il peut être associé au recrutement de professeurs.

En complément de sa charge d'enseignement et d'encadrement, il peut s'il le souhaite faire bénéficier la structure de ses compétences particulières en contribuant à sa vie artistique, culturelle et pédagogique.

Dans le respect des réglementations en matière de cumul d'emplois, il peut exercer des activités artistiques, pédagogiques, de recherche, ou relevant de l'action culturelle.

Activités visées :

Enseignement de l’art de la danse dans sa discipline :

• Développement de son activité par la maîtrise acquise dans le champ chorégraphique
• Enrichissement de sa pratique par des apports notamment théoriques, et utilisation de ces apports dans le cadre du développement des apprentissages
• Conception et direction de séances d’apprentissage de la danse en restant relié à son vécu artistique, à des répertoires et/ou des processus de création de référence
• Mise en œuvre des rapports à la musique et aux musiciens
• Construction et accompagnement de la progression du groupe et de chacun sur le long terme
• Développement de l’émergence de la personnalité artistique de l’élève
• Conception et propositions de modalités d’évaluation, participation à des jurys
• Accompagnement des élèves vers la professionnalisation
• Maîtrise de la prévention des risques dans la pratique dansée
• Intégration aux enseignements des élèves dans leur diversité
• Application de la réglementation en matière de développement durable et de transition écologique
• Sensibilisation des élèves aux notions de parité, de diversité, de respect de la différence et aux notions de violence et de harcèlement sexuel et sexiste

Participation au projet d’établissement d’enseignement supérieur artistique :

• Conception et mise en œuvre d’un projet pédagogique et artistique sur un territoire en cohérence avec un projet d’établissement
• Participation à la vie d’un établissement
• Communication
• Conseil et propositions
• Application des références relatives aux contextes d’exercice de l’activité

Développement de son activité artistique et pédagogique en s’appuyant sur la recherche :

• Critique de ses pratiques
• Élargissement de ses savoirs et savoir-faire et organisation en ressources
• Production et formalisation d’une pratique de recherche

• Maîtriser la technique chorégraphique dans son option à un haut niveau d’expression
• Manier les éléments constitutifs du langage chorégraphique dans son genre chorégraphique
• Se réapproprier les œuvres, processus de composition et d’improvisation dans son genre chorégraphique
• S’impliquer dans une pratique corporelle
• Enrichir et actualiser ses connaissances sur l’art chorégraphique
• Disposer d’une culture chorégraphique approfondie
• Identifier et respecter les caractéristiques des autres genres chorégraphiques
• Mettre en perspective son genre chorégraphique et en identifier les apports spécifiques
• Mettre sa pédagogie en perspective avec la culture artistique, les théories des sciences de l’éducation et les connaissances actualisées dans le domaine de l’anatomie-physiologie
• Mobiliser sa culture artistique dans son activité pédagogique
• S’approprier les principaux enjeux relevant des sciences de l’éducation et les réinvestir dans sa pédagogie
• Identifier, utiliser et savoir nommer les éléments anatomiques mobilisés dans les séquences pédagogiques
• Exploiter des outils d’analyse du mouvement
• Maîtriser les principes de notation du mouvement dansé et les enjeux partitionnels
• En lien avec son expérience et en s’appuyant sur les recommandations du schéma national d’orientation pédagogique, concevoir une offre d’enseignement, permettant aux élèves de se découvrir et de perfectionner leurs qualités techniques et artistiques
• Maîtriser le schéma national d’orientation pédagogique des établissements spécialisés d’enseignement artistique
• Structurer de manière dynamique une progression de travail (cours et ateliers) en cohérence avec le profil et le niveau des élèves qui composent la classe
• Construire des liens entre les propositions d’artistes invités et l’enseignement dispensé au quotidien
• Identifier puis exploiter des éléments significatifs d’une œuvre afin d’enrichir son enseignement
• Adapter, modifier une proposition en temps réel en fonction de l’objectif visé et de la réponse observée
• Exprimer avec clarté et sensibilité des propositions, des consignes, des ajustements, des corrections
• Donner des repères théoriques et pratiques (chorégraphes, courants, œuvres, processus de composition et d’improvisation etc..) correspondant à l’enseignement dispensé
• Identifier et utiliser les éléments techniques et artistiques qui fondent la spécificité chorégraphique de son genre
• Rendre les élèves disponibles à l’écoute (de soi, des autres, des contextes), favoriser un climat de confiance
• Exploiter des supports multimédias tels que vidéo, ressources documentaires en ligne…
• Être disponible et à l’écoute des réponses kinesthésiques et verbales des élèves
• Repérer, utiliser et gérer les ressources du groupe en termes d’apprentissage et de dynamique créatrice
• Solliciter, accueillir, affiner les propositions des élèves pour leur permettre de renforcer leurs apprentissages, et de développer leurs repères.
• Entraîner l’élève dans l’expérience sensible de la musicalité du mouvement et développer sa curiosité musicale
• Maîtriser les répertoires musicaux au travers des époques et des styles
• Être initié au langage musical et communiquer avec un musicien, expliciter ses propositions
• Faire des liens entre univers musicaux et chorégraphiques
• Utiliser, convoquer, créer des stratégies pédagogiques permettant de structurer le parcours des élèves dans la durée
• Varier les dispositifs et propositions pour favoriser la participation de chacun
• Identifier les atouts et ressources du groupe en tenant compte du profil des élèves
• Formaliser des observations sur le groupe et sur le parcours de chacun
• Susciter et préserver la dynamique du groupe et la singularité de chaque élève, aider les élèves à se situer au sein du groupe
• Développer au sein du groupe la disponibilité, l’écoute et le climat de confiance
• Formuler des orientations et des conseils personnalisés
• Permettre à l’élève de développer la conscience des objectifs artistiques liés aux exercices et propositions
• Mettre en place des situations sollicitant la créativité des élèves
• Solliciter la créativité de l’élève en stimulant, en accueillant et en reprenant ses propositions
• Développer les capacités de l’élève à improviser, à composer, seul ou en groupe
• Permettre à l’élève de reconnaître ses propres références : accompagner l’élève dans l’identification de ses repères sensoriels, kinesthésiques, intellectuels, de ses stratégies d’apprentissage, afin qu’il développe son autonomie et devienne acteur de sa formation
• Nourrir et accompagner la réflexion et l’analyse, afin que l’élève développe son regard critique
• Inciter l’élève à assister à des spectacles et à visionner des œuvres sur tous supports
• Construire avec l’élève du lien entre des propositions d’artistes invités, des spectacles et l’enseignement dispensé au quotidien
• Permettre aux élèves de créer du lien entre leurs différents enseignements et pratiques
• Identifier et préciser les objectifs et repères structurants mis en jeu dans le cadre des évaluations
• Définir des critères et des modalités d’évaluation
• Diversifier et mettre en synergie les modalités d’évaluation (évaluation continue et terminale, spectacles, présentation de travaux individuels et collectifs, dossiers)
• Concevoir et mettre en place, pour et avec les élèves, des dispositifs d’auto-évaluation
• Mettre en œuvre un système d’évaluation qui permette à l’élève de construire un équilibre entre des références externes (professeurs, jurys...) et internes (repères sensoriels, construction et conscientisation de ses systèmes de valeurs), contribuant à sa progression
• Permettre à l’élève de développer ses repères et sa propre exigence
• Mettre en relation le système d’évaluation avec d’autres contextes dans lesquels l’élève est évalué (en particulier : aménagements d’horaires, TMD, Bac danse...)
• Mettre en œuvre des processus d’évaluation incluant des dimensions de communication, de conseil et d’orientation
• Préparer les élèves aux évaluations d’entrée et de fin de cycle
• - Assumer la collégialité d’une évaluation, notamment en tant que membre de jurys
• Formuler une analyse et des questions ouvertes dans une attitude bienveillante
• Construire et énoncer un point de vue au sein d’un collectif
• Appliquer les règles de déontologie qu’appellent des situations d’évaluation
• Mettre en œuvre un enseignement spécifique, avec un niveau d’exigence prenant en compte les enjeux de la motivation, de l’endurance et de la virtuosité
• Détecter et stimuler le potentiel d’un élève, au regard d’un futur parcours de professionnalisation
• Identifier les écoles supérieures en danse et de présenter leurs spécificités
• Préparer l’élève aux épreuves de recrutement des écoles supérieures
• Informer l’élève sur les parcours de formation existants, les diplômes et les débouchés
• Aider l’élève à préciser son projet de professionnalisation et l’accompagner dans sa réalisation
• Présenter le référentiel métier du diplôme national supérieur professionnel de danseur
• Présenter le cadre réglementaire de l’enseignement de la danse
• Mettre en jeu ses connaissances d’anatomie-physiologie et d’analyse du mouvement pour prévenir les comportements à risque
• Formuler et transmettre des clés de lecture du mouvement dansé dans le but de prévenir toute situation problématique
• Développer des approches corporelles et des méthodes d’acquisition réduisant les effets indésirables ou nocifs, en particulier au regard des exercices faisant appel à la répétition intense, aux extensions articulaires poussées, ainsi qu’au travail des portés
• Concevoir, construire et mettre en œuvre une progression cohérente prenant en compte les rythmes physiologiques des élèves en lien avec le déroulement parallèle de leurs études
• Concevoir et transmettre un module d’exercices que l’élève puisse reproduire, en autonomie et sans risque
• Identifier les conditions matérielles d’hygiène et de sécurité nécessaires à une pratique dansée sans risques
• Appliquer les gestes de premier secours
• Intégrer aux enseignements les élèves dans leur diversité notamment en situation de handicap
• Appliquer la réglementation en matière de développement durable dans le champ culturel et appréhender les évolutions des pratiques artistiques au regard des enjeux de la transition écologique
• Sensibiliser les élèves aux notions de parité, de diversité, de respect de la différence et aux notions de violence et de harcèlement sexuel et sexiste dans le cadre de la formation et de la pratique professionnelle
• Appliquer les textes relatifs au cadre réglementaire de l’enseignement de la danse et à l’enseignement spécialisé (code de l’éducation, décret et arrêté de classement, charte de l’enseignement spécialisé, schéma d’orientation pédagogique)
• Appliquer les textes relatifs à l’environnement territorial de l’établissement (schéma territorial des enseignements et de l’action artistiques, plan régional de formation)
• Se saisir d’un projet d’établissement
• Élaborer et formaliser un projet pédagogique et artistique structurant en concertation avec l’équipe pédagogique et en cohérence avec le projet d’établissement
• Susciter et porter des projets chorégraphiques avec les élèves
• Concevoir les modalités d’élaboration de projets chorégraphiques
• Organiser des présentations de travaux d’élèves
• Favoriser la rencontre entre les élèves à l’occasion de projets transversaux
• Concevoir et conduire des actions artistiques en partenariat avec des acteurs extérieurs
• Impulser des partenariats avec d’autres structures et établissements (musées, lieux de diffusion, écoles d’art…), afin de s’ouvrir à la diversité des publics et des espaces
• Favoriser les actions interdisciplinaires dans et hors de l’établissement
• Maîtriser les caractéristiques du milieu artistique (aspects culturels, organisationnels et institutionnels)
• Susciter l’invitation d’artistes, d’enseignants et de conférenciers
• Créer et développer des échanges avec des professeurs et artistes d’autres disciplines et spécialités (musique, théâtre, arts plastiques)
• Développer des actions vers des publics diversifiés dans le cadre du projet d’établissement
• Identifier les publics dans toutes leurs caractéristiques
• Concevoir et mettre en œuvre des actions de rencontre avec différents publics
• Participer à des actions ponctuelles de sensibilisation (interventions aux côtés d’un médiateur extérieur)
• Contribuer à l’accompagnement de la pratique en amateur (conseils à des associations, travail en partenariat, etc.)
• Travailler en équipe
• Écouter, dialoguer, motiver
• Définir des objectifs, des axes de progression et des outils d’évaluation (en vue de faire évoluer le projet)
• Prendre en compte la pensée et les propositions des membres de l’équipe pédagogique, être à même d’interagir avec celles-ci
• Coordonner une équipe pédagogique autour d’un projet, coordonner un département
• Associer et coordonner une équipe de professeurs autour d’objectifs partagés
• Organiser et animer des temps de concertation, de suivi, de réflexion prospective (équipes, partenaires, élèves, familles)
• Rédiger des notes de synthèse et des comptes rendus de réunions
• Mettre en œuvre un travail de conception en équipe
• Valoriser et mettre en synergie les différentes compétences et richesses de chacun des membres de l’équipe, et favoriser leurs évolutions
• Faire vivre un projet d’établissement
• Identifier et évaluer les besoins nécessaires à la réalisation des projets et actions portées par l’établissement (fiches techniques, méthodologie, calendrier, plaquette, programme ...)
• S’associer à la réflexion prospective, savoir s’adapter aux changements, aux réformes
• Soutenir en tant que de besoin des actions visant à l’amélioration des conditions matérielles de l’enseignement
• Être force de proposition pour la conception et l’évolution d’un projet d’établissement
• Apporter des contributions orales ou écrites dans le cadre de l’élaboration des documents de référence de l’établissement (projet d’établissement, projet de service, maquette des enseignements, règlement intérieur, règlement des études, supports de communication)
• Contribuer à l’inscription de l’établissement dans un réseau territorial et participer à son rayonnement
• Participer à des instances de réflexion ou des groupes de travail
• Représenter le département ou l’équipe auprès de la direction, des instances collégiales de l’établissement et des partenaires extérieurs
• Relayer auprès des élèves et des parents les orientations et les enjeux du projet d’établissement et du projet pédagogique en danse
• Exposer clairement l’actualité de l’établissement et ses ambitions auprès de différents publics
• Communiquer au sein et à l’extérieur de l’établissement sur son activité et sa démarche pédagogique
• Assumer un rôle de conseiller et/ou d’expert au sein de l’établissement, notamment en ce qui concerne l’aménagement des locaux, les équipements et l’enrichissement de fonds documentaires
• Informer et de conseiller les élèves et leurs familles en matière d’orientation
• Identifier les centres de ressources, analyser et exploiter des sources documentaires
• Identifier les écoles supérieures en danse et présenter leurs spécificités
• Présenter le cadre réglementaire de l’enseignement de la danse
• Être force d’engagement à suivre des formations continues
• Appliquer la prévention des risques ERP et les règles relatives à l’accueil de personnes en situation de handicap
• Maîtriser l’environnement artistique, technique et social du spectacle vivant
• Être sensibilisé aux contraintes techniques et de sécurité en vigueur dans le spectacle vivant ainsi qu’à la législation sociale applicable
• Sensibiliser les élèves à l’environnement scénique et à ses exigences (espace plateau, lumières ...)
• Maîtriser le vocabulaire technique de base afin de pouvoir communiquer avec les techniciens du spectacle vivant
• Identifier les spécificités des établissements territoriaux d’enseignement artistique spécialisé
• Identifier les instances, circuits et processus de décision des collectivités territoriales et les principales configurations de leurs établissements en charge d’une mission de service public d’enseignement spécialisé
• Maitriser l’organisation de la filière culturelle de la fonction publique territoriale
• Appliquer les règles de déontologie : principes de laïcité, confidentialité dans les relations aux données personnelles, devoir de réserve et de discrétion, absence de conflits d’intérêt notamment en situation de jury, droits et devoirs des fonctionnaires, cumuls d’emplois, déroulement de carrière
• Identifier ses références et référents au regard de son parcours
• Construire un regard critique et distancié sur ses pratiques
• Nourrir sa réflexion pédagogique par l’ouverture à l’évolution des savoirs et des sciences
• Élargir son champ de connaissances aux autres arts et à leurs évolutions
• Mobiliser les outils et ressources numériques dans le cadre de ses activités
• Pratiquer une langue étrangère en association à des travaux de recherche (niveau B2)
• S’inscrire dans une dynamique d’évolution, notamment par le biais de la formation continue
• Disposer d’outils méthodologiques et les appliquer à son domaine de recherche
• Proposer des applications et conduire des analyses de pratiques
• Exploiter un champ de savoirs ou d’expériences, pour élaborer des connaissances nouvelles dans un domaine spécifique de son choix
• Mettre en forme et communiquer les résultats de sa recherche
• Conduire un exposé, produire des écrits, animer un débat

• Ministère de la culture

• Ministère de la culture

  1ère habilitation	Début validité	Fin validité
  01/09/2025

• Certificat d'aptitude aux fonctions de professeur de danse (https://www.intercariforef.org/formations/certification-94033.html)